Warum ist das von Bedeutung?
Weil wir Musiker brauchen einen Kompass, den man nicht kaufen kann. Die Entkopplung von Geist und Körper ist eines der stillsten und kostspieligsten Phänomene in der musikalischen Ausbildung. Sie macht keinen Lärm und kann lange Zeit ohne offensichtliche Anzeichen verlaufen. Und doch ist sie da – sie prägt Karrieren und Stimmen, blockiert den Ausdruck, entzieht dem Ganzen den Sinn und erstickt etwas, das vor allem in der professionellen klassischen Musik keinen guten Ruf genießt: die Freude am Musizieren.
Es gibt eine Art von Sänger – oder Musiker im Allgemeinen –, die fast jeder von uns kennt: diszipliniert, fleißig, stets präsent, beschwert sich nie und hinterfragt kaum etwas. Ein Schüler, der oft als ideal und vorbildlich wahrgenommen wird. Er scheint immer „gut“ drauf zu sein und alles zu akzeptieren, was wir vorschlagen.
Und dennoch gibt es etwas, das nicht ganz überzeugt.
Manchmal hängt es mit musikalischem Können zusammen, manchmal mit etwas, das schwerer zu benennen ist: der Ausstrahlung, der musikalischen Kohärenz, jenen Momenten, in denen die Musik aufhört, nur ein akustisches Phänomen zu sein, und zu einem ganzheitlichen Ausdruck aus Klang und Emotionen wird.
Ich selbst war diese Sängerin in verschiedenen Momenten, in denen ich versuchte, mich den von anderen gewünschten und eingeschlagenen Wegen anzuschließen, ohne mich zu fragen, ob dieser Wunsch wirklich mein eigener war … oder ohne auf meine eigenen Antworten zu hören.
Die Falle der hohen Leistungsfähigkeit
In der Welt des Spitzensports ist es bereits ein Begriff, während es in der Musik – insbesondere im Gesang – nur selten erwähnt wird: die Hochleistung als Mechanismus der Dissoziation.
Es klingt schwierig, ist aber ganz einfach: Der Körper lernt, seine Leistung zu steigern trotz dessen, was er empfindet. Die fast mechanische Leistung wird zu einem Schutzschild. Und die Stimme – die ein zutiefst körperliches Instrument ist, das einzige, das buchstäblich im Inneren des Musikers lebt – bleibt mit ihrem Ausdruck hinter diesem Schutzschild gefangen.
Der hochfunktionelle Sänger – oder Musiker im Allgemeinen – zeigt keine sichtbaren Krisen. Zumindest nicht über längere Zeiträume hinweg. Er verwaltet seine Musik aus einer Position der Kontrolle heraus, die ihn paradoxerweise daran hindert, sich der klanglichen Verletzlichkeit hinzugeben, die das Musizieren mit sich bringt.
Aus meiner eigenen Erfahrung als Sängerin erkenne ich dieses Muster ganz deutlich.
Ich übte mich darin, mich zu distanzieren, um Leistung zu erbringen. Es gab Momente, in denen meine „gute Leistung“ genau das war: eine Art Selbstmanagement.
Die Trennung von Geist und Körper
Die funktionelle Dissoziation ist keine klinische Dissoziation, sondern eine erlernte Anpassung.
In manchen Fällen lernt ein angehender Musiker – oft schon in sehr jungen Jahren –, dass seine Empfindungen und Emotionen ein Hindernis darstellen können. Dass das Zittern in der Stimme, im Finger oder im Knie ein Mangel ist, den es zu beheben gilt. Ein Makel, den es zu beseitigen gilt. Dass zu viele Gefühle „ablenken“.
Auf diese Weise lernt das Nervensystem, sich zu spalten: Es gibt ein „technisches Ich“, das handelt, und es gibt einen Verstand, der die Äußerungen jener Empfindungen und Emotionen unterdrückt, die sich im Körper manifestieren.
Diese Trennung ist mit einem enormen Energieaufwand verbunden. Der Körper speichert alles, was der Verstand zu vergessen versucht: die chronischen Verspannungen im Kehlkopf, die manchmal unerklärlichen Feinheiten der Atmung, die Verspannungen im Kiefer, die immer wiederkehrenden Schwierigkeiten. Es handelt sich dabei weniger um Probleme der musikalischen Fertigkeiten als vielmehr um Reaktionen des Nervensystems. Es ist der Körper, der die einzige Sprache spricht, die ihm noch bleibt, wenn ihm nicht gestattet wird, sich auf andere Weise auszudrücken.
In zwanzig Jahren Lehrtätigkeit bin ich auf kein wiederkehrendes „technisches“ Problem gestoßen, das nicht mit einem erworbenen Abwehrmechanismus oder einer Form der Dissoziation zusammenhing, die lange Zeit unbemerkt geblieben war. Oft handelt es sich um etwas sehr Subtiles: ein technisches Konzept, vergangene Erfahrungen, Geschichten, die der Körper in sich trug und die erst anerkannt werden mussten, bevor neue Fähigkeiten integriert werden konnten.
Je nachdem, welche Mittel uns zur Verfügung stehen, kann das Nervensystem – das gelernt hat, sich von etwas abzugrenzen, das es in jenem Moment nicht verarbeiten konnte, und das gelernt hat, sich zu schützen, indem es sich gerade in dem Moment größter Verletzlichkeit verschließt – auch lernen, sich dem Risiko des Sich-Offenbarens zu öffnen.
Diese Offenheit gegenüber Risiken findet ihren Ausdruck im Körper. Sie zu erkennen und sich darauf einzulassen, ist unerlässlich, um eine konstante stimmliche Leistungsfähigkeit bei gleichzeitigem Wohlbefinden aufrechtzuerhalten.
Das Verlangen, das nicht unser eigenes ist: mimetisches Verlangen und die geliehene musikalische Laufbahn
Es gibt noch ein weiteres Phänomen, das ich ansprechen möchte, da ich der Meinung bin, dass es den Kern eines Großteils des Leidens bildet, das ich bei Sängern und Musikern beobachte.
Der Philosoph René Girard entwickelte das Konzept des mimetischen Begehrens: die Vorstellung, dass wir Menschen Dinge nicht wegen ihres inneren Wertes begehren, sondern weil andere sie begehren. Wir wollen das, was andere, wie wir sehen, wollen. Wir ahmen das Begehren nach, noch bevor wir wissen, ob dieses Begehren tatsächlich unser eigenes ist.
In der Welt der Musik – vor allem in der klassischen Musik – kann dies verheerende Folgen haben. Der Schüler lernt nicht, zu singen und sich mit seinen eigenen stimmlichen und musikalischen Ressourcen auseinanderzusetzen, sondern entwickelt die Stimme und die musikalische Laufbahn, die das Vorbild, die Tradition und das musikalische Umfeld von ihm erwarten. Er ahmt die Bewunderung nach, die er für einen Sänger empfindet, oder die Anerkennung, die er bei seinem Lehrer sucht, und baut seine stimmliche Identität an diesem Vorbild auf.
Ich möchte mich klar ausdrücken: Nachahmung an sich ist nichts Negatives. Sie ist ein natürlicher Bestandteil des Lernprozesses und im besten Fall inspirierend – sie weckt unsere Neugier und unseren Drang, uns selbst als Musiker und als Menschen zu entdecken. Die Gefahr besteht darin, dabei stehen zu bleiben … Bei den „richtigen“ Klängen und Schritten, die keine Wurzeln haben.
Es gab einen Moment in meiner Ausbildung als Sängerin, in dem sich die Frage änderte. Sie lautete nicht mehr : „Was muss ich tun, um voranzukommen?“, sondern wurde zu einer unbequemeren Frage: „Ist das, was ich gerade singe, mein eigener Wunsch, oder sehne ich mich nach dem Wunsch eines anderen?“
Sich vom mimetischen Verlangen zu lösen, bedeutet nicht, den Einfluss unserer Umgebung abzulehnen. Es bedeutet vielmehr, diesen durch einen Filter zu leiten, um das, was wir sind, mit dem, was wir tun, in Einklang zu bringen. In der Sprache des Nervensystems wird dies als Integration bezeichnet: etwas, das sich stimmig und konsistent anfühlt. Es ist nicht die Abwesenheit von Schwierigkeiten, sondern das Vorhandensein von Entdeckungslust und die Fähigkeit, sich der Erfahrung und der nächsten Herausforderung zu öffnen.
Die Illusion der Linearität
Die traditionelle Gesangs- und Musikpädagogik – und hier lohnt es sich für uns als Lehrende, einmal inne zu halten – folgt in der Regel einer linearen Logik: Man lernt A, dann B, dann C. Man folgt einem Lehrplan. Man steigt in die nächste Stufe auf. Man sammelt Fähigkeiten. Man kommt voran.
Strukturen sind gut. Sie geben uns Sicherheit. Aber mir gefallen eher Strukturen, die der Nichtlinearität des Lernens, des Gehirns, der Emotionen und des Lebens Rechnung tragen …
Denn keine menschliche Entwicklung verläuft linear … Auch wir Musiker können uns dem nicht entziehen.
Hier in Deutschland ist der ideale Werdegang, beispielsweise für einen klassischen Sänger, sehr klar vorgezeichnet: Der Sänger beginnt ein Studium an einer Hochschule, schließt dieses mit Auszeichnung ab, gewinnt einige Wettbewerbe und tritt mit seinem ersten Festvertrag in ein Opernstudio ein. Irgendwann wagt er den Sprung, gibt seine Festanstellung als Mitglied eines Solistenensembles auf, um als freiberuflicher Solist an verschiedenen Theatern zu arbeiten, nur noch das zu singen, was man „wirklich“ möchte – mit dem (ebenfalls gelobten) Versprechen, mehr Geld zu verdienen.
Viele Studierende steigen in diesen Zug der Sehnsucht ein, um später festzustellen, dass sie lieber eigenständige Projekte verwirklichen, ausschließlich zeitgenössische Musik singen, in einem Kammer- oder Opernchor singen, unterrichten, Opern für Kinder inszenieren, sich dem Lied oder dem Jazz widmen möchten – unendliche Möglichkeiten, die in den Jahren der Anpassung an den – manchmal unausgesprochenen – Wunsch des Umfelds nicht erkannt wurden.
Unsere Phasen scheinbarer Rückschritte oder Stagnation sind entscheidende Momente, um über all dies nachzudenken. Bei hochfunktionellen Musikern können diese Anzeichen subtil sein. Phasen scheinbarer Rückschritte sind für das Gehirn in Wirklichkeit Phasen der Erweiterung: Es gibt Momente, in denen wir beim Lernen etwas „verlieren“, das wir zuvor hatten – Kontrolle, Sicherheit, musikalisches Können, Motivation, Inspiration, Lust, Klarheit. Das ist weder ein Fehler noch ein Misserfolg, sondern ein Zeichen dafür, dass sich etwas Tieferes herausbildet. Neue neuronale Netzwerke suchen nach einem Sinn für das „Neue“, das wir tun. Das Gefühl von Unordnung und Verwirrung, wenn sich das Nervensystem neu organisiert, ist in Wirklichkeit ein gutes Zeichen dafür, dass wir lernen.
Wenn wir dies außer Acht lassen, laufen wir Gefahr, diesen Prozess zu pathologisieren – das, was in Wirklichkeit die Entfaltung des Nervensystems ist, als Mangel an Talent oder Persönlichkeit zu deuten.
Das bedeutet nicht, dass jeder eine Karriere als professioneller Musiker einschlagen oder dass jeder alles erreichen kann. Es bedeutet vor allem, dass ich als Begleiter von Entwicklungsprozessen einem Schüler nicht nur stimmliche oder musikalische Fertigkeiten vermitteln kann, sondern vor allem einen Rahmen zum Verständnis seines eigenen Entwicklungsprozesses. Die Fähigkeit, Nicht-Linearität zu akzeptieren. Darauf zu vertrauen, dass der Weg Kurven aufweist, die keine Umwege sind, sondern Teil des Weges selbst.
Auf diese Weise gewinnt der Musiker an Unabhängigkeit und wird zu seinem besten Lehrer. Das bedeutet nicht, dass er keine Hilfe in Anspruch nehmen darf oder alles alleine tun muss. Vielmehr bedeutet es, zu lernen, auf seine Impulse, Bedürfnisse, Vorlieben und Interessen zu hören, sie wahrzunehmen und zu spüren.
Der Kompass nimmt langsam Gestalt an.
Das nennen wir Resilienz: Raum für das zu schaffen, was in uns auftaucht, und die Neugierde lebendig zu halten, es zu entdecken. Mit kleinen Experimenten. Mit dem, was heute, in diesem Moment, möglich ist.
Der Körper spricht eine langsamere Sprache als der Verstand. Er benötigt Zeit zum Beobachten, Zeit zum Fühlen und zum Einklingen: musikalische Bewegung, Empfindung und Emotion.
Es ist die Alternative zum bloßen Funktionieren. Es ist eine Alternative voller Möglichkeiten.
Was sollen wir als Lehrkräfte mit all dem anfangen?
Wenn wir Gesang oder ein Instrument unterrichten, betreffen uns diese Fragen unmittelbar.
Perpetuieren wir unbewusst mimetische Wunschmodelle? Bin ich mein bester Lehrer? Interpretieren wir die Blockaden unserer Schüler als technische Probleme oder als Mangel an Talent, obwohl es sich in Wirklichkeit um Reaktionen des Nervensystems handelt, die wahrgenommen werden wollen? Was machen wir mit dem, was wir wahrnehmen? Fühle ich mich als Lehrkraft weniger qualifiziert, wenn meine Schülerin (oder Kundin, die bereits berufstätig ist) nicht den Wegen folgt, die die Musikbranche erwartet?
Es geht nicht darum, dass wir zu Therapeuten werden. Das können wir nicht, und es ist auch nicht unsere Aufgabe. Es geht jedoch darum, unseren Blickwinkel innerhalb der musikalischen Praxis zu erweitern. Hinter der Stimme, hinter dem Instrument steht immer ein Mensch. Die Stimme und die Musik sind ein ganzheitliches Phänomen – technisch, emotional, körperlich und zwischenmenschlich. Wenn sich meine Vorschläge lediglich auf die Funktionsweise beziehen, habe ich bereits die Hälfte geschafft, doch der andere Teil des Instruments fehlt noch.
Eine traumafreundliche Pädagogik – die das Nervensystem berücksichtigt – bedeutet nicht, Herausforderungen oder Anforderungen zu vermeiden, sondern sichere Bedingungen zu schaffen, unter denen das Nervensystem lernen kann – das heißt, das Risiko einzugehen, sich neu zu organisieren.
Es geht darum, die „nächste sichere Gefahr“ – wie der Unternehmenscoach Ben Swire es nennt – zu erkennen. Es geht darum, zu erkennen, wann ein Schüler oder Kunde sich innerlich distanziert, um ihn zurück in einen Zustand größerer Kongruenz und Offenheit zu begleiten.
Das bedeutet auch, unsere eigene Rolle als Autoritätspersonen zu hinterfragen. Denn das mimetische Verlangen tritt nicht nur beim Schüler auf: Auch wir als Lehrende vermitteln möglicherweise unsere eigenen Wünsche, die nicht wahrgenommen oder benannt wurden, anstatt die Entfaltung einer Stimme, eines Klangs oder eines musikalischen Ausdrucks mit individuellen Mitteln zu begleiten, die nicht unsere eigenen sind.
Zum Abschluss: Zurück zum Körper
Nicht der Körper als Maschine, die für Höchstleistungen optimiert werden muss, sondern der Körper als Ort der Kohärenz. Als das wichtigste Instrument. Als derjenige, der weiß – selbst wenn der Verstand es nicht wissen will. Wie das Haus, das Gefühle beherbergt und es uns ermöglicht, diese zu durchleben, ohne in der Frustration darüber gefangen zu bleiben, dass etwas nicht so gelaufen ist, wie wir es erwartet hatten, in der Scham, die Erwartungen anderer nicht erfüllt zu haben, in der Schuld, nicht mehr Zeit in ein bestimmtes Werk investiert zu haben … Sie können die Liste fortsetzen.
Die Trennung zwischen Kopf und Körper ist weder ein Charakterfehler noch ein Mangel an Talent noch eine psychische Schwäche.
Es handelt sich um eine kluge Anpassung an Umgebungen, in denen es nicht immer sicher war, die Verletzlichkeit bestimmter Herausforderungen zu verkraften.
Der Musiker, der eine Trennung vornimmt, hat dies aus guten Gründen gelernt. Die Aufgabe besteht nicht darin, diese Anpassung zu beurteilen, sondern ihn zu begleiten – mit Hilfsmitteln, die den Weg zurück in den musikalischen Alltag weisen.
Unsere musikalischen Gewohnheiten lösen in uns entweder eine instinktive Reaktion des Vertrauens und der Offenheit aus oder führen zu einer instinktiven Reaktion, die dazu führt, dass wir uns von Empfindungen und Emotionen distanzieren … Informationen, die aus unserem Körper stammen und für die Entscheidungsfindung von großem Wert sind.
Auf diese Weise ebnen wir den Weg für Musik, die aus emotionaler Flexibilität heraus entsteht.