Warum ist das wichtig? Auf der Bühne, im Proberaum und vor allem beim Üben allein ist jeder Musiker sein eigener Lehrer, sein eigener Begleiter. Die innere Stimme, mit der Sie sich beim Üben begleiten, ist das direkte Ergebnis dessen, wie wir unsere Erfahrungen einordnen – sowohl wir selbst als auch unsere Lehrer. Und wenn diese Stimme nur Fehler aufzeigen kann, arbeiten Sie mit nur der Hälfte der Informationen, die das Gehirn benötigt, um sich weiterzuentwickeln.
In diesem Artikel geht es um:
- Der Ansatz „Unterrichten ausgehend von den Ressourcen“ einer Klavierdozentin an der Universität Mozarteum in Österreich
- Der Fehler und seine Funktion im Gehirn
- Warum die Bewertung von Fehlern nicht nur die Art und Weise beeinflusst, wie wir lernen, sondern auch, wie wir unterrichten, und
- Wie uns „Design Fluency“ dabei hilft, Fehler zu machen – ohne sie zu romantisieren –, um die Erfahrung abzugrenzen, ohne sie im Gedächtnis zu verankern
Vor zwei Wochen nahm ich am Treffen meiner Arbeitsgruppe für Pädagogik im Rahmen der Deutschen Gesellschaft für Musikphysiologie und Musikermedizin teil.
Eine Kollegin aus der Gruppe, Klavierdozentin an der Universität Mozarteum, stellte uns ihren Ansatz in einem kurzen Vortrag vor: „Lehren ausgehend von den Ressourcen. Elemente der positiven Psychologie im Klavierunterricht und deren Auswirkungen.“
Vor einem Jahr begann sie, alle seine Schüler wöchentlich zusammenzubringen. Es handelt sich nicht um ein Konzert, es muss nichts Besonderes vorbereitet werden: Jeder spielt etwas vor, an dem gerade gearbeitet wird, etwas das noch nicht „fertig“ ist. Nach dem Vorspiel gibt der Rest der Gruppe ein Feedback, das mit drei positiven Aspekten dessen beginnt, was sie gerade gehört haben. Was verbessert werden könnte und Ideen für die weitere Arbeit folgen an zweiter Stelle.
Anfangs, so berichtet die Dozentin, war es nicht einfach: Es fiel schwer, die Schüler für eine Teilnahme zu begeistern, und es war eine Herausforderung, drei aufrichtige Komplimente für jeden zu finden, der eine Arbeit vorstellte. Dennoch hielt sie an diesem Projekt fest, da sie es für notwendig hielt, Begegnungen zu etablieren, in denen die Schüler lernen, konstruktiv mit Lernprozessen umzugehen – und in denen die Gewohnheit gepflegt wird, die Ressourcen bei jedem Schritt auf diesem Weg wertzuschätzen.
Nach einem Jahr werden die Veränderungen allmählich sichtbar. Ihre Schüler kommen zum Einzelunterricht und berichten: „Diese Woche habe ich nach dem Üben festgestellt, dass mir automatisch zwei Aspekte in den Sinn kamen, die gut funktioniert haben.“ Früher gab es diesen Gedanken nicht. Sie suchten mit der Lupe nach Fehlern, Korrektur über Korrektur. Die Aufmerksamkeit galt ausschließlich dem Korrigieren, dem Aufspüren dessen, was falsch war.
Die Lehrerin schuf explizit und bewusst einen institutionellen Rahmen, um die Kompetenz im Umgang mit Fehlern zu fördern.
Vor zehn Jahren argumentierte ein Kollege in einem Gespräch zu diesem Thema gegen mich: „Gabriela, wir können den Studierenden nicht in Watte packen – der Beruf des Musikers ist hart.“
Damals antwortete ich ihm unter Bezugnahme auf die humanistische Psychologie von Carl Rogers und das dem Menschen innewohnende Bedürfnis nach Selbstverwirklichung, gesunde Beziehungen zu sich selbst aufzubauen, um sich den größten Herausforderungen zu stellen, die die Musik und die Lebensumstände mit sich bringen.
Nachdem ich mich heute eingehend mit Studien zum Gehirn und Nervensystem befasst habe, möchte ich noch etwas hinzufügen: Die Gründe dafür liegen schon länger zurück, in der Biologie, in der Funktionsweise unseres Körpers, unseres Gleichgewichtssystems, unseres Nervensystems und unseres Gehirns.
Ein Fehler ist eine Information für das Gehirn.
Babys sind das beste Beispiel: Hinfallen und erneut versuchen, aufzustehen, ist monatelang eine tägliche Aufgabe. Ihre Lernmittel sind das Spiel, die Freizeitgestaltung, das Erkunden und das Nachahmen. Die Motivation besteht nicht darin, Fehler zu vermeiden – sondern darin, interessante Orte zu erreichen, nachzuahmen, Beziehungen aufzubauen und sich in der Welt zurechtzufinden. Und sie sind effizient: In nur einem Jahr meistern sie verschiedene Bereiche – Laufen, Essen mit dem Löffel, eine Sprache verstehen und anfangen, sie zu sprechen.
Ein Umfeld, in dem die Kritik an Fehlern vorherrscht, hilft dem Baby nicht dabei, früher laufen zu lernen, sondern behindert es vielmehr dabei.
Auch übermäßige Kritik im Musikunterricht trägt nicht zur Verbesserung der musikalischen Präzision bei.
Cortisol ist nicht immer der Bösewicht
„Lernen bedeutet im Grunde genommen, sich einen Weg durch die Verwirrung zu bahnen.“
Kenneth R. Leopold, emeritierter Professor für Chemie an der Universität von Minnesota
Das Erlernen einer neuen Fertigkeit ist ein chaotischer, unvollkommener und komplexer Prozess.
Ein Konzert zu geben ist hingegen ein Prozess, der erlangte Klarheit erfordert und sich auf bereits verinnerlichte Informationen, Möglichkeiten und Fähigkeiten stützt.
Es handelt sich um zwei unterschiedliche Situationen, die jeweils andere Fähigkeiten erfordern.
Um etwas Neues zu lernen, muss der Cortisolspiegel ausreichend ansteigen, damit wir die Herausforderung bewältigen können. Ohne diese Aktivierung fehlt die Neugier, Dinge zu erforschen. Dieser Anstieg des Cortisolspiegels ist der Motor für Verwirrung – und sogar für den leichten Stress oder die leichte Verzweiflung, die wir empfinden können, wenn wir versuchen, etwas Neues zu lernen.
Wenn jedoch Kritik überwiegt oder wenn das zu erlernende Fachgebiet weitaus schwieriger ist, als wir es verarbeiten können, steigt der Cortisolspiegel stärker an, als es das Gehirn benötigt – und die Analysefähigkeit, das Gedächtnis sowie die Lernfähigkeit werden beeinträchtigt.
Mit anderen Worten: Durch wahllose Kritik unterbinden wir das kritische Denken … wer gute Fragen stellt, scheidet aus dem Spiel aus.
In diesem Zustand übernehmen die alten Automatismen die Kontrolle, und das Neue verschwindet. Dann stellt sich das Gefühl der Frustration ein, „nicht voranzukommen“.
Dies geht zudem in der Regel mit einer ständigen Selbstbeobachtung einher, die etwas Grundlegendes untergräbt: das Vertrauen, das die Flexibilität gewährleistet, die das Gehirn benötigt, um die Erfahrung in all ihren Facetten zu erleben – sowohl den bewussten als auch den unbewussten.
In den meisten Fällen schult die westliche Musikausbildung das Gespür dafür, den nächsten Fehler zu erkennen, der es zu beseitigen gilt. Selbst im Unterricht – der nicht dazu dient, unser Wissen unter Beweis zu stellen, sondern das Bewusstsein zu schärfen, zu erforschen, zu festigen und Möglichkeiten zu erweitern.
Ob beim Üben allein, bei Konzerten oder vor und nach Konzerten, orientieren wir uns auf dieselbe Weise, wie uns unser Umfeld begleitet und gelehrt hat: mit ähnlichen Worten, mit ähnlichen Zielen und in ähnlichem Tonfall – distanziert oder engagiert, neugierig oder müde, genervt oder gelassen, mit Kritik oder mit guten Fragen – was wir im Klassenzimmer erlebt haben, wird zur inneren Stimme.
Das Gehirn braucht Fehler
Das Gehirn verarbeitet die Welt nicht in jedem Augenblick von Grund auf neu: Es bildet Vorhersagen auf der Grundlage bereits beschrittener Wege und früherer Erfahrungen. Und anhand dieser Vorhersagen stellt es die Musik in Echtzeit wieder her.
Das Gehirn vergleicht verschiedene Optionen und wählt diejenige aus, die angesichts der verfügbaren Daten und im aktuellen Kontext am sinnvollsten erscheint. Wenn der Vorhersage nicht genügend Informationen vorliegen, kann die „Technik“ – die weniger eine Technik als vielmehr ein organischer Vorgang ist – versagen. Dieses Versagen verleiht dieser Erfahrung eine besondere Note: Es zeigt dem Gehirn, wo die Grenzen liegen.
Das ist der richtige Zeitpunkt, um sich nach anderen Informationen zu erkunden die hilfreich sein können – nicht, um den Fehler zu verteufeln, sondern um die Erfahrung um neue Aspekte zu bereichern.
Damit Vorhersagen mit Präsizion auf der Bühne funktionieren, bedarf es einer Vielzahl von Möglichkeiten. Das Gehirn muss verschiedene mögliche Varianten dieser Passage durchgespielt haben, verschiedene Wege zum selben Ziel. Verschiedene Varianten, damit ein technischer Aspekt über genügend Informationen verfügt, um nahtlos in den Ablauf zu fließen.
Wenn es nur eine einzige Möglichkeit gibt – die „richtige“ Version, die ohne Abweichungen wiederholt wird – und diese einzige Möglichkeit in diesem Moment fehlschlägt, gibt es keinen Ausweg mehr. Bei einem Konzert fühlt sich das an, als würde man auf einem Felsvorsprung entlanggehen und dabei in den Abgrund blicken.
Kartografie des Lernens
Die Wissenschaftler Gerald Edelman und Joseph Gally beschrieben zwei Prinzipien, nach denen sich biologische Systeme wie das Gehirn selbst verändern:
- Redundanz: bei der neuronale Bahnen für verschiedene Funktionen gemeinsam genutzt werden
- Degeneration: Wenn unterschiedliche Wege zum gleichen Ergebnis führen
Ein musikalisch versiertes Gehirn erschließt nicht nur einen einzigen Weg zu einem Ziel – es erschließt mehrere. Und es lernt zudem, denselben Weg zu nutzen, um unterschiedliche Ziele zu erreichen. Diese Vielfältigkeit ist die Weisheit, die es uns später ermöglicht, Situationen zu meistern, die wir nie genau in dieser Form geübt haben.
Der Fehler – der uns noch nicht weiterhilft – möchte als Teil dieses Prozesses betrachtet werden. Das Gehirn erstellt nach und nach eine Karte – eine Karte mit immer mehr Straßen, die zum selben Ziel führen, mit mehr miteinander verbundenen Städten und immer mehr entdeckten Abkürzungen. Die viel befahrenen Wege werden breiter und fließen reibungsloser; diejenigen, die wir nicht mehr nutzen, verengen sich, bis sie schließlich verschwinden. Auf diese Weise werden alte Gewohnheiten durch neue ersetzt.
Das zu wiederholen, was gut funktioniert, und so lange zu verfeinern, bis kein Fehler mehr erkennbar ist – das ist nicht die Lernmethode, die das Gehirn bevorzugt. Was es bevorzugt, ist das Erkunden, das Erfassen der Erfahrung bis an ihre Grenzen – einschließlich dessen, was nicht gelingt, was schiefgeht, was noch fehlt –, um verschiedene Wege zum selben Ziel zu erschließen und diese Wege in Kontexten zu nutzen, die nicht vollständig vorhersehbar sind.
Design-Fluency für Sänger*innen
Wenn wir stets „die richtige Vorgehensweise“ anwenden – insbesondere wenn sich ein Fehler wiederholt –, neigen wir dazu, diesen Fehler im Langzeitgedächtnis zu verankern. Das Gehirn ist formbar: Es lernt durch Wiederholung, sowohl das Gute als auch das Schlechte.
Design-Fluency – ein Begriff, der aus der Psychologie und dem Sport stammt – bezeichnet die Fähigkeit, Probleme kreativ zu lösen. Anstatt stets identische Bewegungsmuster zu wiederholen – beispielsweise bei der Erstellung von Navigationskarten für die hohen Töne –, zieht es das Gehirn vor, nach verschiedenen Wegen zu suchen, um sich in die neue Aufgabe hineinzuversetzen.
Entdecken, erforschen und neue Fehler machen.
Die Stimme und die Musik im Allgemeinen erfordern als emergente Phänomene ein hohes Maß an Anpassungsfähigkeit und verkörpertem Agieren.
Wenn unsere Herangehensweise zur Lösung einer technischen Herausforderung einzigartig ist oder sich auf einen einzigen Aspekt der Ausführung stützt und nicht auf die Vielzahl der Faktoren, die diese beeinflussen, geht der Überblick verloren, der Fokus verengt sich, das Nervensystem versteift sich und die Bewegungen ebenfalls.
Das Ansprechen unterschiedlicher Aspekte unserer Neurobiologie, unserer sensomotorischen Fähigkeiten, des Vestibularsystems, der Audiation und mentaler Prozesse durch vielfältige Herangehensweisen fördert die Koordination, Belastbarkeit und Anpassungsfähigkeit. Zudem stärkt es die kognitive Flexibilität sowie die Fähigkeit, Möglichkeiten zu entdecken, Korrekturen „on the go“ vorzunehmen bzw. unerwünschte Bewegungen zu unterbinden.
Design-Kompetenz für hohe Töne
Um beim Beispiel der hohen Töne zu bleiben: Sie können fünf Varianten auswählen und sich dabei Zeit nehmen, Ihre Empfindungen zu beobachten, während Sie jede einzelne ausprobieren.
Hier möchte ich einige davon nennen – aus einem Meer von Möglichkeiten:
Erkunde die hohen Töne: in aufsteigenden Tonleitern, absteigende Arpeggi, in kleinen oder großen Intervallen, im Staccato, im Piano, im Forte, von Forte zu Piano und umgekehrt.
Erkunde Bewegungsmöglichkeiten, während das Singen: Lehne dich an eine Wand; stehend, hebe ein Knie an oder gehe in die Hocke; strecke die Arme auf Schulterhöhe aus bei jeder Einatmung, zeichne mit deiner Nasenspitze eine kleine Linie beim Singen mit weichen Kopfbewegungen.
Erkunde dein Vestibularsystem und spiele mit dem Gleichgewicht: Stell dich schulterbreit hin und verlagere dein Gewicht rhythmisch und abwechselnd von einem Fuß auf den anderen. Oder gehe noch weiter mit deinen Balancemöglichkeiten: Wenn du dein Gewicht auf dem rechten Fuß hast, hebe den linken ganz vom Boden ab — so entsteht von links nach rechts, von rechts nach links ein sanftes Wippen — und finde dabei ein ruhiges, gleichmäßiges Tempo. Lass die Bewegung fast zu einem ruhigen, hüpfenden Gehen auf der Stelle werden.
Spiele mit deinem Blick, während du singst: Fokussiere dich auf einen einzelnen Punkt und erweitere deinen Blick schrittweise bis in die Peripherie, sodass du einen echten Panoramablick auf deine Umgebung hast.
Bewegung und Kognition beeinflussen sich gegenseitig.
Die Vielfalt der Praktiken bringt Folgendes mit sich:
- Informationen zur Problemlösung,
- Anpassungsfähigkeit an schwer vorhersehbare Situationen,
- die Koordination optimieren, ohne dabei in Einzelheiten einzugreifen,
- Stressabbau,
- geistige Flexibilität und
- eine langfristige Widerstandsfähigkeit.
Das Ziel ist kein perfekter Klang, sondern ein spürbar präziser Klang – stabil und zugleich flexibel anpassbar.
In diesem Kontext, sind Fehler relevante Informationen, sie sind eine Arbeitsressource und bilden den Rohstoff, um die individuelle Erfahrung mit den Fähigkeiten, die wir erwerben möchten, abzugrenzen und zu erweitern.
Das Projekt der Mozarteum-Dozentin erinnert daran, dass der Prozess – einschließlich der Fehler und der Ergebnisse, die wir verwerfen – Beachtung finden muss und einen ebenso großen und wertvollen Raum einnehmen sollte wie die Errungenschaft selbst.